音乐鉴赏 急 急 急
我们音乐鉴赏课要求把自己喜欢的音乐介绍一下。
要求：类型音乐 什么音乐都行 只要觉得好听 就可以了
另外在简单介绍一下音乐的背景 作者 等
纯音乐、音乐剧、古典音乐等等。不要都局限在流行音乐上。
介绍乐队、单曲都可以。 音乐剧的话，现在又那些比较热门的。
音乐剧《悲惨世界》赏析
法国人克劳德勋伯格根据法国文豪雨果的名著《悲惨世界》改编的同名音乐剧自从1985年上映之后就常演不衰，并且这部音乐剧与他自己的另一部音乐剧《西贡小姐》以及英国人安德鲁韦伯的《猫》和《歌剧魅影》并称为世界四大音乐剧。《歌剧魅影》和《西贡小姐》我并未找到碟片，所以不曾欣赏过，但从《悲惨世界》和《猫》来看，《猫》杂糅了多种音乐元素：爵士、布鲁斯、金属等等；而《悲惨世界》的多数配乐都是以古典音乐作为基础的，而我自己是个古典音乐的爱好者，因此更喜欢《悲惨世界》。可惜的是，《悲惨世界》已经转入演出淡季且不再百老汇上演了，无法现场亲身体验这部经典名剧实在是非常遗憾。除了在课堂上欣赏过该剧全球巡演10周年的碟片，我在课余时间又完整地看了两遍，每一次欣赏这部音乐剧都会给我深深地震撼。虽然没有看过雨果的原著，但这部音乐剧通过视觉和听觉对我的冲击，让我深切地体会到了原作中所要反映的东西。下面就就我印象最深的几个音乐片段谈一点自己的感受。
第一个触动我的音乐片段是《At the End of the Day》，描述的是工厂里有一个叫芳汀的女工，她的美丽遭到其他女工的妒忌；当她们看到芳汀因对老板的轻薄不从，而且得知芳汀有一个寄人篱下的私生女时，便以此为借口怂恿厂主将其开除。这首曲子的节奏很快，演员们的词也都很多，但同样的曲调、同样的节奏在两类人的演绎下表现出了不同的感觉。一类人就是那几个带头的女工，她们一人一句，歌词就象连珠炮似的从她们嘴里蹦出来，好象巴不得一口把芳汀吃掉，言语中透露出来的轻蔑、鄙夷，让人不禁对她们产生厌恶之情。而她们几个人与跟风起哄的女工们的一唱一和——一句独唱一句合唱相间的安排，则把女工们急于赶走芳汀之心暴露无遗。另一类人就是孤独的芳汀。虽然还是一样的曲调，一样的节奏，但演员那略带哭泣的唱腔、委屈无奈的表情则表现出了芳汀孤独无依的窘境。芳汀一个人还辩驳不上几句，就被女工们更多更大声的无理指责给压了下去。同样的快节奏，放在芳汀身上，与其说是表现其有力地反驳，倒不如说是表现其在众女工以多欺少的情况下艰难无奈地抓紧仅有的一点喘息之机进行反驳。随着工厂主的一句“On your way！（马上滚吧）”，芳汀无奈地被赶出了工厂，她也失去了生活的来源。
第二个打动我的音乐片段是《Castle on a Cloud》，描述的是被寄养在德纳第夫妇家中已5年的珂赛特，终日受到非人的虐待；但这对黑心肠的夫妇却对自己的两个女儿疼爱有佳。可怜的珂赛特幻想着自己能到云端的城堡里，因为那里没有人大吼大叫，也没有人再要她做苦工。这首空灵的曲子出现在一段“重”音乐之后，整个现场突然间安静下来，只有交响乐团奏出微弱的前奏，接着穿着肮脏破烂的珂赛特唱起了这段空灵的歌曲。这里不得不提一下珂赛特的神情：红肿外凸的眼睛、沾满尘灰的脸颊与鼻子，让人顿生怜爱之情。她唱着“There is a castle on a cloud，I like to go there in my sleep……”，憧憬地望着远方，似乎看到了有这么一个云端城堡能让她摆脱现在无尽的苦工，她能在那里愉快地生活。突然间，这优美的旋律被老板娘霸道地唱腔打断了，珂赛特又回到了悲惨的现实中，又有一大堆的苦工要做了。珂赛特刚有一句哀求，就又被粗鲁地骂了回去，更显出这段歌曲的悲凉的一面。
这部音乐剧中还有许多“亮点”片断。比如描述流浪儿加夫洛许带来了拉马克将军的死讯后，众人在恩佐拉的带领下走上街头争取民众的支持所唱的《Do You Hear the People Sing》，这也是这部音乐剧中最振奋人心的音乐，在这里和最后尾声17个国家让阿冉同唱这首歌时将全场气氛推向了高潮；比如酒馆老板的《Master of the House》，其颇有喜剧感的节奏不禁让人随着节奏摇摆起来；比如珂赛特、马吕斯、爱波宁互诉衷肠的《In My Life》，他们之间的真挚感情把我深深地打动；比如爱波宁独诉相思之苦的《On My Own》；比如爱波宁为革命牺牲时在马吕斯怀里与马吕斯对唱的催人泪下的《A Little Fall of Rain》……这些歌曲生动地刻画出了一个个鲜活的形象，仿佛活生生地站在观众面前：令人爱的，令人恨的，令人不屑的，令人同情的……所有这些构成了这部经典的音乐剧。
《悲惨世界》
改编自雨果同名文学巨著的经典音乐剧《悲惨世界》，音乐剧《悲惨世界》的始作俑者—法国人阿兰·鲍伯利和米歇尔·勋伯格，都曾是音乐剧的狂热歌迷。1971年，两人在纽约观看了韦伯的音乐剧《万世巨星》，由此萌发出创作一部史诗风格的音乐剧的想法。两人从韦伯的经典音乐剧《万世巨星》和《艾维塔》中汲取了相当多的灵感，令其既有史诗般的壮丽，又不乏流行文化的精华。1978年，鲍伯利和勋伯格在巴黎“奇迹般地”完成了这项宏伟的工程。
1980年秋，长达两个小时的音乐剧《悲惨世界》在巴黎体育馆首演。令人难以置信的是，它竟然被硬插在了拳击和马戏表演之间，并在上演后的第十六周便被迫收场。哀叹之余，曾经把《猫》成功包装上音乐剧舞台的英国著名演出制作人麦金托什找到了鲍伯利和勋伯格，下决心要把《悲惨世界》搬到“世界歌舞之都”—百老汇。三人一拍即合，6年后，重新包装后的《悲惨世界》落户百老汇，并正式踏上了国际舞台。
作为一部大型音乐剧，《悲惨世界》聘用的演员总数为421人，幕后的员工更高达1633人。该剧之所以能连演16年而不衰，除了故事和主题的历久弥新、真切感人外，演员的专业、音乐的动人以及场景的变换等，也都是引人入胜的原因。例如主角冉·阿让在大战前夕祈祷上苍保佑养女珂赛特的爱人马吕斯的独唱《让我死，让他活》，其神情之恳切、旋律之优美，令人过耳难忘；再者，《悲惨世界》的编导破天荒地利用大型转台，将革命青年和巴黎市民共同堆砌的“战壕”逼真地呈现出来，加上慷慨赴沙场的激昂军乐和充满火药味的枪声、爆炸声，令观众如身历其境，达到了比电影还要真实的震撼体验。
法国人克劳德勋伯格根据法国文豪雨果的名著《悲惨世界》改编的同名音乐剧自从1985年上映之后就常演不衰，并且这部音乐剧与他自己的另一部音乐剧《西贡小姐》以及英国人安德鲁韦伯的《猫》和《歌剧魅影》并称为世界四大音乐剧。《歌剧魅影》和《西贡小姐》我并未找到碟片，所以不曾欣赏过，但从《悲惨世界》和《猫》来看，《猫》杂糅了多种音乐元素：爵士、布鲁斯、金属等等；而《悲惨世界》的多数配乐都是以古典音乐作为基础的，而我自己是个古典音乐的爱好者，因此更喜欢《悲惨世界》。可惜的是，《悲惨世界》已经转入演出淡季且不再百老汇上演了，无法现场亲身体验这部经典名剧实在是非常遗憾。除了在课堂上欣赏过该剧全球巡演10周年的碟片，我在课余时间又完整地看了两遍，每一次欣赏这部音乐剧都会给我深深地震撼。虽然没有看过雨果的原著，但这部音乐剧通过视觉和听觉对我的冲击，让我深切地体会到了原作中所要反映的东西。下面就就我印象最深的几个音乐片段谈一点自己的感受。
第一个触动我的音乐片段是《At the End of the Day》，描述的是工厂里有一个叫芳汀的女工，她的美丽遭到其他女工的妒忌；当她们看到芳汀因对老板的轻薄不从，而且得知芳汀有一个寄人篱下的私生女时，便以此为借口怂恿厂主将其开除。这首曲子的节奏很快，演员们的词也都很多，但同样的曲调、同样的节奏在两类人的演绎下表现出了不同的感觉。一类人就是那几个带头的女工，她们一人一句，歌词就象连珠炮似的从她们嘴里蹦出来，好象巴不得一口把芳汀吃掉，言语中透露出来的轻蔑、鄙夷，让人不禁对她们产生厌恶之情。而她们几个人与跟风起哄的女工们的一唱一和——一句独唱一句合唱相间的安排，则把女工们急于赶走芳汀之心暴露无遗。另一类人就是孤独的芳汀。虽然还是一样的曲调，一样的节奏，但演员那略带哭泣的唱腔、委屈无奈的表情则表现出了芳汀孤独无依的窘境。芳汀一个人还辩驳不上几句，就被女工们更多更大声的无理指责给压了下去。同样的快节奏，放在芳汀身上，与其说是表现其有力地反驳，倒不如说是表现其在众女工以多欺少的情况下艰难无奈地抓紧仅有的一点喘息之机进行反驳。随着工厂主的一句“On your way！（马上滚吧）”，芳汀无奈地被赶出了工厂，她也失去了生活的来源。
第二个打动我的音乐片段是《Castle on a Cloud》，描述的是被寄养在德纳第夫妇家中已5年的珂赛特，终日受到非人的虐待；但这对黑心肠的夫妇却对自己的两个女儿疼爱有佳。可怜的珂赛特幻想着自己能到云端的城堡里，因为那里没有人大吼大叫，也没有人再要她做苦工。这首空灵的曲子出现在一段“重”音乐之后，整个现场突然间安静下来，只有交响乐团奏出微弱的前奏，接着穿着肮脏破烂的珂赛特唱起了这段空灵的歌曲。这里不得不提一下珂赛特的神情：红肿外凸的眼睛、沾满尘灰的脸颊与鼻子，让人顿生怜爱之情。她唱着“There is a castle on a cloud，I like to go there in my sleep……”，憧憬地望着远方，似乎看到了有这么一个云端城堡能让她摆脱现在无尽的苦工，她能在那里愉快地生活。突然间，这优美的旋律被老板娘霸道地唱腔打断了，珂赛特又回到了悲惨的现实中，又有一大堆的苦工要做了。珂赛特刚有一句哀求，就又被粗鲁地骂了回去，更显出这段歌曲的悲凉的一面。
这部音乐剧中还有许多“亮点”片断。比如描述流浪儿加夫洛许带来了拉马克将军的死讯后，众人在恩佐拉的带领下走上街头争取民众的支持所唱的《Do You Hear the People Sing》，这也是这部音乐剧中最振奋人心的音乐，在这里和最后尾声17个国家让阿冉同唱这首歌时将全场气氛推向了高潮；比如酒馆老板的《Master of the House》，其颇有喜剧感的节奏不禁让人随着节奏摇摆起来；比如珂赛特、马吕斯、爱波宁互诉衷肠的《In My Life》，他们之间的真挚感情把我深深地打动；比如爱波宁独诉相思之苦的《On My Own》；比如爱波宁为革命牺牲时在马吕斯怀里与马吕斯对唱的催人泪下的《A Little Fall of Rain》……这些歌曲生动地刻画出了一个个鲜活的形象，仿佛活生生地站在观众面前：令人爱的，令人恨的，令人不屑的，令人同情的……所有这些构成了这部经典的音乐剧。
《悲惨世界》
改编自雨果同名文学巨著的经典音乐剧《悲惨世界》，音乐剧《悲惨世界》的始作俑者—法国人阿兰·鲍伯利和米歇尔·勋伯格，都曾是音乐剧的狂热歌迷。1971年，两人在纽约观看了韦伯的音乐剧《万世巨星》，由此萌发出创作一部史诗风格的音乐剧的想法。两人从韦伯的经典音乐剧《万世巨星》和《艾维塔》中汲取了相当多的灵感，令其既有史诗般的壮丽，又不乏流行文化的精华。1978年，鲍伯利和勋伯格在巴黎“奇迹般地”完成了这项宏伟的工程。
1980年秋，长达两个小时的音乐剧《悲惨世界》在巴黎体育馆首演。令人难以置信的是，它竟然被硬插在了拳击和马戏表演之间，并在上演后的第十六周便被迫收场。哀叹之余，曾经把《猫》成功包装上音乐剧舞台的英国著名演出制作人麦金托什找到了鲍伯利和勋伯格，下决心要把《悲惨世界》搬到“世界歌舞之都”—百老汇。三人一拍即合，6年后，重新包装后的《悲惨世界》落户百老汇，并正式踏上了国际舞台。
作为一部大型音乐剧，《悲惨世界》聘用的演员总数为421人，幕后的员工更高达1633人。该剧之所以能连演16年而不衰，除了故事和主题的历久弥新、真切感人外，演员的专业、音乐的动人以及场景的变换等，也都是引人入胜的原因。例如主角冉·阿让在大战前夕祈祷上苍保佑养女珂赛特的爱人马吕斯的独唱《让我死，让他活》，其神情之恳切、旋律之优美，令人过耳难忘；再者，《悲惨世界》的编导破天荒地利用大型转台，将革命青年和巴黎市民共同堆砌的“战壕”逼真地呈现出来，加上慷慨赴沙场的激昂军乐和充满火药味的枪声、爆炸声，令观众如身历其境，达到了比电影还要真实的震撼体验。
温馨提示：内容为网友见解，仅供参考
第1个回答 2008-10-31
交响乐是一种富于戏剧性的大型管弦乐套曲。也可以说，交响乐就是管弦乐队演奏的奏鸣曲。
最初，交响乐是各种多声部乐曲的泛称，到了18世纪，通常是指意大利式的歌剧序曲。歌剧序曲的快板、慢板、快板三个段落逐步发展成三个乐章，再加上一个“小步舞曲”乐章，便成为四个乐章的古典交响乐的典型形式。古典交响乐是在奥地利作曲家海顿手上奠定基础的，他创作了104部交响乐，有“交响乐之父”的称号。
贝多芬是古典交响乐的革新者，创作了《英雄交响乐》和《命运交响乐》，使交响乐成为表现反对专制暴政、争取自由民主的革命热情和英雄性格的重要音乐体裁。继贝多芬以后，19世纪的浪漫派作曲家，把交响乐引向新的广阔世界，加强了标题性，使音乐创作与文学、戏剧、绘画等密切结合起来。如匈牙利作曲家李斯特，以德国待人歌德著作中的作物为题材，创作了《浮士德交响乐》。
交响乐通常由四个乐章组成。第一乐章通常采用快板的奏鸣曲式，表现人们的斗争充满戏剧性。全部音乐建立在两个性格不同的主题的对比和发展上。第二乐章通常是抒情的慢板，内容往往与深刻的内心感觉及哲学思考有关。第三乐章通常为中速的舞曲或谐谑曲。第四乐章大多采用快板的回旋曲或回旋奏鸣曲式，表现群众生活、风俗的场面和人民胜利。
不同时期交响乐的乐队规模是不一样的。早期单管编制的管弦乐队，成员有五六十人。浪漫时期的交响乐，常用三管、四管编制的管弦乐队，成员多达一百几十人。
例文:
我对交响乐的认识
很高兴这个学期学习了交响乐欣赏这门令人陶醉的课程，在老师的带领下，我们在交响乐的世界里留连忘返，学习了许多关于交响音乐的基础知识和发展历史，了解了许多享誉世界的伟大音乐家，聆听了许多耳熟能详的经典音乐作品，仿佛在紧张的学习之余让自己的心灵找到了一个畅快休憩的迷人小岛。
我一直很喜欢音乐，音乐带给人的那种闲适心情难以言表，而交响乐正是各种音乐中最能给人以灵魂的洗涤的重要部分，在晴朗的午后一边听着交响乐一边看书，或是在阴雨的傍晚一边听着交响乐一边冥想……似乎所有事情与音乐结合在一起都变得完美起来。
音乐的四大要素是旋律、和声、节奏以及音色，欣赏音乐包括纯美感享受、想象与联想、纯音乐鉴赏。交响乐萌芽于十六世纪中叶，即文艺复兴的鼎盛时期，直至十九世纪末二十世纪初才最后定型，巴赫、亨德尔确立了弦乐器在乐队中的地位，交响乐的基本形式由海顿创始并由莫扎特最终确立，贝多芬使交响乐发展到了最高峰。现代意义的交响曲是指一种用大型管弦乐队演奏的器乐套曲，是音乐表现的最高形式，它能表现重大的题材，丰富的感情和深刻的思想。从创作到演奏都要求较高超的技巧。为此它是衡量一个国家或民族的音乐文化水平的重要标志。一个交响乐队由四个部分组成：1、木管乐器组（包括长笛、双簧管、黑管、大管）。2、铜管乐器组（包括圆号、小号、长号、大号）。3、打击乐器组（包括定音鼓、镲、钢琴、竖琴）。4、弓弦乐器组（包括第一小提琴、第二小提琴、大提琴、倍大提琴）。一部交响乐作品，一般有四个乐章（但也有三个或多于四个乐章的）。第一乐章为快板，多用奏鸣曲式谱写，很有戏剧性；第二乐章为慢板，采用二部曲式或三部曲式等；第三乐章是中快板，为小步舞曲或谐谑曲谱写，节奏一般清晰明快，气氛热烈。一部交响乐，大约演奏40分钟左右。
课程中我们欣赏了不计其数的美妙音乐作品，除了交响曲，也包括婉转悠扬的室内乐、钢琴协奏曲等，还有令人啧舌的音乐歌舞剧。莫扎特忧郁绝望的安魂曲、贝多芬激情澎湃的命运交响曲、舒伯特洋溢飘洒的小夜曲、柴可夫斯基俏皮灵巧的四小天鹅，总是让我心里无比激动或者平静起来，音乐就是拥有这样神秘的力量。经过课程中与交响乐的相处，我被深深的吸引了，开始更加热爱音乐，特别是交响乐。
交响乐欣赏这门课程教给我们的不只是音乐本身，更加包括如何以一个绅士的姿态面对音乐、面对艺术，真正的静下心来感知和享受音乐带给我们的激情与安慰，真的很喜欢这门课程，希望以后有更多的机会接触交响乐。
最初，交响乐是各种多声部乐曲的泛称，到了18世纪，通常是指意大利式的歌剧序曲。歌剧序曲的快板、慢板、快板三个段落逐步发展成三个乐章，再加上一个“小步舞曲”乐章，便成为四个乐章的古典交响乐的典型形式。古典交响乐是在奥地利作曲家海顿手上奠定基础的，他创作了104部交响乐，有“交响乐之父”的称号。
贝多芬是古典交响乐的革新者，创作了《英雄交响乐》和《命运交响乐》，使交响乐成为表现反对专制暴政、争取自由民主的革命热情和英雄性格的重要音乐体裁。继贝多芬以后，19世纪的浪漫派作曲家，把交响乐引向新的广阔世界，加强了标题性，使音乐创作与文学、戏剧、绘画等密切结合起来。如匈牙利作曲家李斯特，以德国待人歌德著作中的作物为题材，创作了《浮士德交响乐》。
交响乐通常由四个乐章组成。第一乐章通常采用快板的奏鸣曲式，表现人们的斗争充满戏剧性。全部音乐建立在两个性格不同的主题的对比和发展上。第二乐章通常是抒情的慢板，内容往往与深刻的内心感觉及哲学思考有关。第三乐章通常为中速的舞曲或谐谑曲。第四乐章大多采用快板的回旋曲或回旋奏鸣曲式，表现群众生活、风俗的场面和人民胜利。
不同时期交响乐的乐队规模是不一样的。早期单管编制的管弦乐队，成员有五六十人。浪漫时期的交响乐，常用三管、四管编制的管弦乐队，成员多达一百几十人。
例文:
我对交响乐的认识
很高兴这个学期学习了交响乐欣赏这门令人陶醉的课程，在老师的带领下，我们在交响乐的世界里留连忘返，学习了许多关于交响音乐的基础知识和发展历史，了解了许多享誉世界的伟大音乐家，聆听了许多耳熟能详的经典音乐作品，仿佛在紧张的学习之余让自己的心灵找到了一个畅快休憩的迷人小岛。
我一直很喜欢音乐，音乐带给人的那种闲适心情难以言表，而交响乐正是各种音乐中最能给人以灵魂的洗涤的重要部分，在晴朗的午后一边听着交响乐一边看书，或是在阴雨的傍晚一边听着交响乐一边冥想……似乎所有事情与音乐结合在一起都变得完美起来。
音乐的四大要素是旋律、和声、节奏以及音色，欣赏音乐包括纯美感享受、想象与联想、纯音乐鉴赏。交响乐萌芽于十六世纪中叶，即文艺复兴的鼎盛时期，直至十九世纪末二十世纪初才最后定型，巴赫、亨德尔确立了弦乐器在乐队中的地位，交响乐的基本形式由海顿创始并由莫扎特最终确立，贝多芬使交响乐发展到了最高峰。现代意义的交响曲是指一种用大型管弦乐队演奏的器乐套曲，是音乐表现的最高形式，它能表现重大的题材，丰富的感情和深刻的思想。从创作到演奏都要求较高超的技巧。为此它是衡量一个国家或民族的音乐文化水平的重要标志。一个交响乐队由四个部分组成：1、木管乐器组（包括长笛、双簧管、黑管、大管）。2、铜管乐器组（包括圆号、小号、长号、大号）。3、打击乐器组（包括定音鼓、镲、钢琴、竖琴）。4、弓弦乐器组（包括第一小提琴、第二小提琴、大提琴、倍大提琴）。一部交响乐作品，一般有四个乐章（但也有三个或多于四个乐章的）。第一乐章为快板，多用奏鸣曲式谱写，很有戏剧性；第二乐章为慢板，采用二部曲式或三部曲式等；第三乐章是中快板，为小步舞曲或谐谑曲谱写，节奏一般清晰明快，气氛热烈。一部交响乐，大约演奏40分钟左右。
课程中我们欣赏了不计其数的美妙音乐作品，除了交响曲，也包括婉转悠扬的室内乐、钢琴协奏曲等，还有令人啧舌的音乐歌舞剧。莫扎特忧郁绝望的安魂曲、贝多芬激情澎湃的命运交响曲、舒伯特洋溢飘洒的小夜曲、柴可夫斯基俏皮灵巧的四小天鹅，总是让我心里无比激动或者平静起来，音乐就是拥有这样神秘的力量。经过课程中与交响乐的相处，我被深深的吸引了，开始更加热爱音乐，特别是交响乐。
交响乐欣赏这门课程教给我们的不只是音乐本身，更加包括如何以一个绅士的姿态面对音乐、面对艺术，真正的静下心来感知和享受音乐带给我们的激情与安慰，真的很喜欢这门课程，希望以后有更多的机会接触交响乐。
第2个回答 2008-10-31
卡农。钢琴曲。
卡农Canon——复调音乐的一种,原意为“规律”。一个声部的曲调自始至终追逐着另一声部,直到最后……最后的一个小结,最后的一个和弦,它们会融合在一起，永不分离。缠绵极至的音乐，就像两个人生死追随。
卡农Canon是一种曲式的名称,这种曲式的特征是间隔数音节不停重复同一段乐曲。一般的演奏法是以大提琴启奏，三把小提琴间隔八拍先后加入,小提琴全部拉奏完全相同旋律，前后也只有三段不同的旋律，每段更是仅有两小节的旋律供重复拉奏；大提琴的调子从头到尾只有两小节,重复达廿八次之多，可是听者却陶醉在这旋律之中，丝毫不会感到单调。能御简如繁，作者可说已臻化境。作者是德国人 Johann Pachelbel (1653 ~ 1706)，曾是巴哈的老师。不过有人说是当时某位不知名的作曲家,为了售出此曲而冒称是当时享有盛名的帕卡贝尔的作品。
最出名的卡农是十七世纪德国作曲家Johann Pachelbel （帕海贝尔, 1653－1706）的卡农，全名是《Canon and Gigue in D》（D大调卡农）。因为有一部被提名为奥斯卡最佳影片奖的电影《凡夫俗子》采用它作为电影配乐，这首曲子便广为人知，《我的野蛮女友》同样也在场景中运用了这首作品。这是个德国作曲家，但德国实在很难让他产生如此美丽的灵感。这是作者在意大利威尼斯时写的音乐，用了回旋曲曲式，有无穷动音乐的元素在里面。而这个音乐之所以在所有卡侬里面特别有名,因为它带着一丝意大利式的忧伤，甜蜜宁静的忧伤。
从来没有哪一首音乐能象卡农，准确地说，是帕赫贝尔的卡农（Pachelbel's Canon），让我如此疯狂地迷恋，伴随我生命过程中的所有快乐与忧伤。
有个同样热爱卡农的国外朋友，在他专门为这首音乐制作的网站上写道：“它能让我感受到一种穿透脊骨的颤抖，直达灵魂”------对我来说，每次聆听卡农，感受是同样地刻骨铭心，尽管我已经听了它不下数千遍，尽管我有近40个不同的演奏版本；而每次我都会按照不同版本，一遍又一遍地听，让自己沉醉,然后莫名感伤,接着沉默,思绪开始发呆,沉溺在感动之中。
我曾经说，我将遇见我的死,为200年前的音乐泪流满面，因为聆听卡农；当年年轻的帕赫贝尔，忍受着爱妻孩子死于鼠疫的巨大痛苦，创作出一组不朽的音乐，以纪念往逝的死者，其中的一首变奏曲，就是后人所称呼的D大调卡农（Canon in D Major）。准确地说，作为一种曲式名称，卡农并非特指一首曲子，其原意为“规则”，“同一旋律以同度或五度等不同的高度在各声部先后出现，造成此起彼落连续不断的模仿；一个声部的曲调自始至终追逐着另一声部,直到最后……最后的一个小结,最后的一个和弦,它们会融合在一起，永不分离”，一如人世间至死不渝的爱情，相爱的两人生死相随，缠绵至极。
在帕赫贝尔的卡农诞生后约三百年，好莱坞将其改编成电影《凡夫俗子》的配乐，首次进入流行文化和大众视野，至今魅力不减，成为最受现代人喜爱的器乐作品，却也因此被美国作家保罗•福塞尔在其名作《恶俗》中列为恶俗音乐。尽管如此，人们丝毫不减对卡农的热爱，在生命的某个幸福或不幸福时刻，仔细聆听卡农，体会其中包含的无穷音乐元素，一种淡淡的忧伤油然而生，却又携带着一丝甜蜜和安静。《诗经》里说，执子之手，与子携老，此般安宁的追求，地老天荒的爱情，又何尝不是卡农所要表达的呢？
第一次聆听《卡农》，我就深深地爱上了它……重回工厂，伴随着柔美的旋律，重温帕海贝尔、乔治·温斯顿、我的野蛮女友……
卡农Canon——复调音乐的一种,原意为“规律”。一个声部的曲调自始至终追逐着另一声部,直到最后……最后的一个小结,最后的一个和弦,它们会融合在一起，永不分离。缠绵极至的音乐，就像两个人生死追随。
卡农Canon是一种曲式的名称,这种曲式的特征是间隔数音节不停重复同一段乐曲。一般的演奏法是以大提琴启奏，三把小提琴间隔八拍先后加入,小提琴全部拉奏完全相同旋律，前后也只有三段不同的旋律，每段更是仅有两小节的旋律供重复拉奏；大提琴的调子从头到尾只有两小节,重复达廿八次之多，可是听者却陶醉在这旋律之中，丝毫不会感到单调。能御简如繁，作者可说已臻化境。作者是德国人 Johann Pachelbel (1653 ~ 1706)，曾是巴哈的老师。不过有人说是当时某位不知名的作曲家,为了售出此曲而冒称是当时享有盛名的帕卡贝尔的作品。
最出名的卡农是十七世纪德国作曲家Johann Pachelbel （帕海贝尔, 1653－1706）的卡农，全名是《Canon and Gigue in D》（D大调卡农）。因为有一部被提名为奥斯卡最佳影片奖的电影《凡夫俗子》采用它作为电影配乐，这首曲子便广为人知，《我的野蛮女友》同样也在场景中运用了这首作品。这是个德国作曲家，但德国实在很难让他产生如此美丽的灵感。这是作者在意大利威尼斯时写的音乐，用了回旋曲曲式，有无穷动音乐的元素在里面。而这个音乐之所以在所有卡侬里面特别有名,因为它带着一丝意大利式的忧伤，甜蜜宁静的忧伤。
从来没有哪一首音乐能象卡农，准确地说，是帕赫贝尔的卡农（Pachelbel's Canon），让我如此疯狂地迷恋，伴随我生命过程中的所有快乐与忧伤。
有个同样热爱卡农的国外朋友，在他专门为这首音乐制作的网站上写道：“它能让我感受到一种穿透脊骨的颤抖，直达灵魂”------对我来说，每次聆听卡农，感受是同样地刻骨铭心，尽管我已经听了它不下数千遍，尽管我有近40个不同的演奏版本；而每次我都会按照不同版本，一遍又一遍地听，让自己沉醉,然后莫名感伤,接着沉默,思绪开始发呆,沉溺在感动之中。
我曾经说，我将遇见我的死,为200年前的音乐泪流满面，因为聆听卡农；当年年轻的帕赫贝尔，忍受着爱妻孩子死于鼠疫的巨大痛苦，创作出一组不朽的音乐，以纪念往逝的死者，其中的一首变奏曲，就是后人所称呼的D大调卡农（Canon in D Major）。准确地说，作为一种曲式名称，卡农并非特指一首曲子，其原意为“规则”，“同一旋律以同度或五度等不同的高度在各声部先后出现，造成此起彼落连续不断的模仿；一个声部的曲调自始至终追逐着另一声部,直到最后……最后的一个小结,最后的一个和弦,它们会融合在一起，永不分离”，一如人世间至死不渝的爱情，相爱的两人生死相随，缠绵至极。
在帕赫贝尔的卡农诞生后约三百年，好莱坞将其改编成电影《凡夫俗子》的配乐，首次进入流行文化和大众视野，至今魅力不减，成为最受现代人喜爱的器乐作品，却也因此被美国作家保罗•福塞尔在其名作《恶俗》中列为恶俗音乐。尽管如此，人们丝毫不减对卡农的热爱，在生命的某个幸福或不幸福时刻，仔细聆听卡农，体会其中包含的无穷音乐元素，一种淡淡的忧伤油然而生，却又携带着一丝甜蜜和安静。《诗经》里说，执子之手，与子携老，此般安宁的追求，地老天荒的爱情，又何尝不是卡农所要表达的呢？
第一次聆听《卡农》，我就深深地爱上了它……重回工厂，伴随着柔美的旋律，重温帕海贝尔、乔治·温斯顿、我的野蛮女友……
第3个回答 2019-11-13
第4个回答 2008-11-02
从自然而来的气息沁人心脾
采撷的大自然音符滋润心灵
永不过时的选择，永远无悔的决定
没有年龄限制的音乐极品
班得瑞音乐最强的3大特色
1. 实地走访瑞士的罗春湖畔和玫瑰山麓、阿尔卑斯山收藏自然元音。
2. 主要强调一种轻柔的绝对性，是最纯净、最能安定人心的音乐处方笺 。
3. 独特超广角音场、空灵缥缈的编曲构成最具高临场感的大自然音乐。
清爽的配乐架构处零压力、零负担的乐曲，更细琢的每一轨声道的解析度，使音场效果更具空灵感，你将体验到浑圆完美的声线，就连声波最细微的毛边都完整接受……
1990年发迹瑞士的班得瑞，来自一群爱好生命的年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师等等青年才俊。团长奥利弗史瓦兹是一位多才多艺的音乐人,不但专长多种乐器,更熟稳先进的录音工程。他特别率先采用先进的数字采样技术，将自然界的声响，运用后期母带24bit数字录制，巨细糜遗地记录下来清晰无比音质。奥利弗史瓦兹更曾与为莎拉布莱曼制作“Timeto Say Good-bye”的天王制作人亚历士克里斯坦森合作，但挚爱新世纪音乐的他，最终选择将一身才华奉献给瑞士山林！
班得瑞闻名全球的独特之处
莫过于班得瑞每当执行音乐制作时，从头到尾，深居在阿尔卑斯山林中，坚持不掺杂一丝一毫的人工混音，直到母带完成！置身在欧洲山野中，让班得瑞拥有源源不绝的创作灵感，也找寻到自然脱俗的音质。每一声虫声、鸟鸣、花落流水，都是深入山林、湖泊，走访瑞士的阿尔卑斯山，罗春湖畔、玫瑰峰山麓，少女峰等处实地纪录。
媲美国家地理杂志的专业精神
有时为了采集自然音效，上山下水、甚至露宿荒野，对班得瑞来说算是家常便饭。比如必须熟知每一种候鸟的季节性与飞行路径，有时为了数分钟的音效，往往在荒野守候达数月之久！有时必须举着比人身还长的录音架往峡谷中采集风声，整个过程险象环生，但也因为如此，班得瑞才能将这些天然的音效栩栩如生地融合在专辑之中……
更胜Discovery的听觉新感受
班得瑞成功的将新世纪风格结合大自然音效，扩展了音乐深度，构成现今最具高临场感的大自然音乐！班得瑞的音乐，从头到尾只强调一种轻柔的绝对性，没有艰涩难懂的曲风，没有生硬的个人风格，不只是悦耳好听，同时也是最纯净、最一尘不染的新世纪音乐典范！
大自然的『心灵投手』要你好听
奥利弗史瓦兹展现他独特的编曲手法，以清爽的配器架构出零压力，零负担的乐曲，加上长年的录音室经验，细酌每一轨声道的分辨率，全音场效果更具神秘的空灵感！奥利费史瓦兹说：“班得瑞的音乐是兼具视觉、触觉、与听觉的，我们从大自然中所得到的创作灵感，宛如抛物线般将一直延伸，飞向到地球另一端，它不只是新世纪音乐，更是淬炼自大自然的心灵投手！”
漫游SPA音乐纪行Spa around the world
——由身入心、内外兼修的养生哲学
这是金革的回答：
亲爱的乐迷，你好。
在此针对你的疑惑，提出一些回复。希望可以对你有所帮助。
关於你的证据一：为何亚马逊网站没有贩售班得瑞的作品。我想，那是因为你把亚马逊网站想像得太完整了。每年在世界各地举行的国际唱片展上的美好作品，我相信有相当大的比例，是你在亚马逊网站上找不到的。
关於你的证据二、五、六：在GOOGLE.COM里找不到BANDARI。我想，班得瑞是一个相当低调的团体，包含他所属的唱片公司AVC也是。他们不拍照不想当明星，不过他们的实际音乐产量不少，的确也比台湾实际发行的多，不过你所搜寻到的十多张专辑当中，不知道是否有包含我们也曾经在大陆发现的{仿冒}的班得瑞？那些仿冒的班得瑞，有的是将已经发行的作品曲目，重新组装推出销售。那不是班得瑞。
在此简单说明一下班得瑞的身世。
班得瑞最早一批成员，成军於1990年，当时的团长叫做奥立佛史瓦兹。这几年下来，他们的团员已有不少变动，不过不变的是，现在许多班得瑞的作品 (包含今年即将发行的新专辑)，仍是创作自奥立佛史瓦兹本人；至於他本人是否依然是团长，根据他透过唱片公司表示，他认为那不重要。
关於你的证据叁：你的瑞士青年朋友没有听过班得瑞。
我无法代替他们回答。
关於你的证据四：www.bandari.com跟班得瑞没有关系。
依照你的推论，我想你或许也会很惊讶的发现，www.billclinton.com跟美国前任总统柯林顿，也一点关系也没有。或者，www.alberteinstein.com，也跟爱因斯坦一点关系也没有。
你大概没有试过去找找他们所属的唱片公司吧？
http://www.svmv.ch/de/avc.html
你会发现，他们真的很低调。就连公司简介里面提到BANDARI，也没有大肆宣扬他们是如何如何了不起的一个乐团。你或许可以试着接受一个事实：这个世界上，真的有一群人，就是天性低调，甚至可能没有原因——就算有原因，也不会是单靠上网搜寻一下证据可以理解的。
我可以理解，对生活在台湾的人来说，一定很难想像，怎麽会有一家公司这样不懂得行销，不懂得推广自己的商品，这麽不懂得赚钱？
在独立唱片公司工作，藉由接触不同国籍文化的经历中，令我学习到，不是每个人都跟台湾人一样，是那麽爱赚钱的。推荐你一本好书，张铁志着作的{声音与愤怒}，你将会发现，一味将{音乐}等同於{明星}、{财富}、{名利}、{全球化}，虽不是台湾人独有的怪异现象，但也绝不代表全人类尽如此。
不要带着恨意看世界。，多探探国际温度，多拓展世界观，多吸收好书资讯，可以得着不少智慧。
欢迎你继续跟我们一起热爱音乐!
采撷的大自然音符滋润心灵
永不过时的选择，永远无悔的决定
没有年龄限制的音乐极品
班得瑞音乐最强的3大特色
1. 实地走访瑞士的罗春湖畔和玫瑰山麓、阿尔卑斯山收藏自然元音。
2. 主要强调一种轻柔的绝对性，是最纯净、最能安定人心的音乐处方笺 。
3. 独特超广角音场、空灵缥缈的编曲构成最具高临场感的大自然音乐。
清爽的配乐架构处零压力、零负担的乐曲，更细琢的每一轨声道的解析度，使音场效果更具空灵感，你将体验到浑圆完美的声线，就连声波最细微的毛边都完整接受……
1990年发迹瑞士的班得瑞，来自一群爱好生命的年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师等等青年才俊。团长奥利弗史瓦兹是一位多才多艺的音乐人,不但专长多种乐器,更熟稳先进的录音工程。他特别率先采用先进的数字采样技术，将自然界的声响，运用后期母带24bit数字录制，巨细糜遗地记录下来清晰无比音质。奥利弗史瓦兹更曾与为莎拉布莱曼制作“Timeto Say Good-bye”的天王制作人亚历士克里斯坦森合作，但挚爱新世纪音乐的他，最终选择将一身才华奉献给瑞士山林！
班得瑞闻名全球的独特之处
莫过于班得瑞每当执行音乐制作时，从头到尾，深居在阿尔卑斯山林中，坚持不掺杂一丝一毫的人工混音，直到母带完成！置身在欧洲山野中，让班得瑞拥有源源不绝的创作灵感，也找寻到自然脱俗的音质。每一声虫声、鸟鸣、花落流水，都是深入山林、湖泊，走访瑞士的阿尔卑斯山，罗春湖畔、玫瑰峰山麓，少女峰等处实地纪录。
媲美国家地理杂志的专业精神
有时为了采集自然音效，上山下水、甚至露宿荒野，对班得瑞来说算是家常便饭。比如必须熟知每一种候鸟的季节性与飞行路径，有时为了数分钟的音效，往往在荒野守候达数月之久！有时必须举着比人身还长的录音架往峡谷中采集风声，整个过程险象环生，但也因为如此，班得瑞才能将这些天然的音效栩栩如生地融合在专辑之中……
更胜Discovery的听觉新感受
班得瑞成功的将新世纪风格结合大自然音效，扩展了音乐深度，构成现今最具高临场感的大自然音乐！班得瑞的音乐，从头到尾只强调一种轻柔的绝对性，没有艰涩难懂的曲风，没有生硬的个人风格，不只是悦耳好听，同时也是最纯净、最一尘不染的新世纪音乐典范！
大自然的『心灵投手』要你好听
奥利弗史瓦兹展现他独特的编曲手法，以清爽的配器架构出零压力，零负担的乐曲，加上长年的录音室经验，细酌每一轨声道的分辨率，全音场效果更具神秘的空灵感！奥利费史瓦兹说：“班得瑞的音乐是兼具视觉、触觉、与听觉的，我们从大自然中所得到的创作灵感，宛如抛物线般将一直延伸，飞向到地球另一端，它不只是新世纪音乐，更是淬炼自大自然的心灵投手！”
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亲爱的乐迷，你好。
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关於你的证据二、五、六：在GOOGLE.COM里找不到BANDARI。我想，班得瑞是一个相当低调的团体，包含他所属的唱片公司AVC也是。他们不拍照不想当明星，不过他们的实际音乐产量不少，的确也比台湾实际发行的多，不过你所搜寻到的十多张专辑当中，不知道是否有包含我们也曾经在大陆发现的{仿冒}的班得瑞？那些仿冒的班得瑞，有的是将已经发行的作品曲目，重新组装推出销售。那不是班得瑞。
在此简单说明一下班得瑞的身世。
班得瑞最早一批成员，成军於1990年，当时的团长叫做奥立佛史瓦兹。这几年下来，他们的团员已有不少变动，不过不变的是，现在许多班得瑞的作品 (包含今年即将发行的新专辑)，仍是创作自奥立佛史瓦兹本人；至於他本人是否依然是团长，根据他透过唱片公司表示，他认为那不重要。
关於你的证据叁：你的瑞士青年朋友没有听过班得瑞。
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关於你的证据四：www.bandari.com跟班得瑞没有关系。
依照你的推论，我想你或许也会很惊讶的发现，www.billclinton.com跟美国前任总统柯林顿，也一点关系也没有。或者，www.alberteinstein.com，也跟爱因斯坦一点关系也没有。
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肖邦 前奏曲Op.28 NO.3 的曲式分析 急急急急急急急急~~~
总的来说，肖邦的前奏曲Op.28 NO.3具有深刻的情感和丰富的音乐语言，同时又具有典型的浪漫主义音乐的特征。它的曲式结构严谨，旋律优美，和旋变化丰富，是一首极具艺术价值的钢琴作品。
...第三乐章)并写出结构图示及文字分析报告。。。急急急。曲
开头的两个动机虽然采用了莫扎特《g小调交响曲》终曲主题的轮廓,但贝多芬却完全重新理解了音乐,以变成刚毅的感性和号角声。人们也把这种动机的形成称之为“曼海姆派爆发的火花。”贝多芬在他初期的许多音乐中都使用了类似的动机,这种样式的动机很象是烟火往空中跃升而去,而曼海姆乐派也时常采用了这种手法。[星夜钢琴网...
梁祝音乐鉴赏
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